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Historia de un viaje por la Segunda Guerra Mundial

‘Conocer el pasado para comprender el futuro’ dice Marthe Cohn.

/ 4 de febrero de 2024 / 06:15

Marthe Cohn fue una enfermera judeo-francesa sobreviviente del Holocausto que se convirtió en espía y ayudó a poner fin al conflicto militar global en 1945

¿Cómo acabó convirtiéndose una joven de una familia judía-ortodoxa en espía, cuyos esfuerzos ayudaron a resistir la guerra en Europa en 1945? Esta respuesta fue la que Marthe Cohn, o Hoffnung, que era su apellido de soltera, guardó para sí misma durante casi medio siglo. Nacida en 1920, en la ciudad francesa de Metz, en la región de Lorraine, cerca de la frontera con Alemania, fue una de los siete hijos Hoffnung.

La familia era religiosa, aun así no tenía inconvenientes en relacionarse con sus vecinos no judíos. Pero este transcurrir cotidiano encontró su quiebre repentino en las nubes de guerra que ya se divisaban en el horizonte en septiembre de 1939, que fue cuando los Hoffnung y muchos de sus vecinos judíos decidieron mudarse.

El lugar elegido fue la localidad de Poitiers, al suroeste de París. Sin embargo, no estuvieron a salvo por mucho tiempo. Los nazis invadieron Francia y, con poca resistencia, el gobierno francés capituló. Inmediatamente, la vida empezó a cambiar.

Ese fue el punto de inicio de la historia del viaje que Cohn hizo a través de la Segunda Guerra Mundial. Por ello, el 7 de noviembre de 2019 estuvo en el auditorio Saint-Michel, de Les Sables-d’Olonne, en Francia, para dar su testimonio al público, principalmente a estudiantes de los liceos Savary de Mauléon y Valère Mathé.

“Me alegro especialmente de que haya estudiantes mujeres entre el público. Ustedes son el futuro, yo soy el pasado. Pero se debe tener presente que es muy importante conocer el pasado para prepararse para el futuro”, remarcó en la conferencia organizada por la Asociación Histoire, Mémoire et Passion 85 (Historia, Memoria y Pasión, HMP) y presentada por Yves Béraud, general retirado y en ese entonces vicepresidente de dicha asociación, a quien Cohn agradeció por la invitación.

Yves Béraud, general retirado y vicepresidente en ese entonces de la Asociación HMP 85
Yves Béraud, general retirado y vicepresidente en ese entonces de la Asociación HMP 85

Durante un tiempo, a pesar de las diversas restricciones impuestas a los judíos, los Hoffnung pudieron dedicarse a sus actividades diarias. Cohn comenzó a estudiar enfermería en la Escuela de la Cruz Roja Francesa del hospital universitario de Poitiers y se comprometió con un joven estudiante de medicina.

Pero a medida que avanzaba la guerra y se generalizaba la resistencia a los nazis y sus colaboradores franceses de Vichy, la familia empezó a correr más riesgos. Cohn y sus hermanas escondieron a judíos que no tenían los documentos y su prometido se involucró en actividades de resistencia.

“Mi hermana Stéphanie y yo organizamos la resistencia permitiendo que cientos de personas cruzaran la línea divisoria que no era recta, sino más bien en zigzag. Por suerte contábamos con una amiga enfermera en el pequeño pueblo de Dienne, cerca de Poitiers, que tenía una propiedad, la cual estaba asentada una parte en una zona ocupada y la otra, en zonas libres. Una vez en su propiedad, era fácil pasar de una zona a otra”.

Además de ella, Cohn también mencionó al granjero Noël Degout, quien también salvó a miles de personas, y al que un día, su hermana le escribió una carta junto con un vale de tabaco olvidado por un joven a quien había ayudado a cruzar la zona franca. La Policía de Seguridad (SiPo, en la Alemania nazi, según relata Cohn) interceptó la misiva que su hermana había firmado con su nombre real, por lo que la arrestaron y luego a su padre. Cuando su padre fue liberado poco después, la familia logró escapar utilizando documentos falsos que no los identificaban como judíos. Había un plan para ayudar a Stéphanie a escapar de la cárcel en la que estaba detenida, pero, lamentablemente, fracasó.

“Mi hermana celebró su cumpleaños número 21 en el campamento de la carretera de Limoges el 10 de julio de 1942. Después de un mes en prisión, la Gestapo la trasladó al campo donde solo había familias enteras de extranjeros judíos. Mi hermana era estudiante de medicina, por lo que comenzó a brindar cuidados a los niños del campo. Cuando nosotros, la familia, organizamos su fuga, encontramos a dos guardias franceses que aceptaron ayudarla a escapar. Ella se negó porque tenía la certeza de que lo que estaba haciendo por los niños era muy importante, además de que estaba segura de que si se escapaba, toda su familia sería arrestada”.

El 21 de septiembre de 1942 fue deportada con destino desconocido. “Después me enteré de que la enviaron a Auschwitz y que por eso nunca más regresó”.

Major Cohn con las medallas de su esposa, Marthe
Major Cohn con las medallas de su esposa, Marthe

La per(tin/sist)encia del recuerdo

El 27 de enero fue el Día Internacional de Conmemoración en Memoria de las Víctimas del Holocausto, efeméride instaurada por la Asamblea General de las Naciones Unidas en 2005 en ocasión del 60 aniversario de la derrota del régimen nazi y de la liberación de los campos de concentración nazis.

El Holocausto se basaba en la persecución y aniquilación sistemática, auspiciada por el Estado, de judíos europeos por parte de la Alemania nazi y sus colaboradores entre 1933 y 1945, periodo en el que más de 6 millones de judíos fueron asesinados, según la página el Museo Conmemorativo del Holocausto de los EEUU.

Sin embargo, el 75% de los judíos en Francia sobrevivieron a la ocupación, según Cohn. “Y si sobrevivimos es porque muchos franceses no judíos arriesgaron sus vidas y las de sus familiares para salvarnos”, resaltó con la voz entrecortada.

“En Poitiers, unas semanas antes de que arrestaran a mi hermana, conocí al señor Albert Charpentier, con quien había trabajado en el ayuntamiento de Poitiers, en la oficina de requisas donde yo era traductora del francés al alemán y del alemán al francés. Él me dijo que podía conseguirme documentos de identidad sin el sello judío para todos los miembros de mi familia, sin tener en cuenta que arriesgaba a la suya, pero estaba seguro de que si no me ayudaba, no podría vivir consigo mismo”.

Mitsuko Shimose con Marthe
Mitsuko Shimose con Marthe

La mayoría de la familia Hoffnung fue a las montañas para unirse a un hermano mayor que era jefe de la resistencia allí. Cohn terminó sus estudios de enfermería en Marsella y ocasionalmente tuvo la oportunidad de reunirse con su prometido Jacques, a quien después arrestaron y ejecutaron por sus actividades de resistencia. Luego, en el verano de 1943, se fue a París para trabajar durante un mes en una posta sanitaria, viajando nuevamente con documentos falsos. Cohn regresó a Marsella, se graduó  y luego volvió a París para realizar un registro. Permaneció allí hasta que los alemanes liberaron Francia.

“Cuando escuchamos por la radio que las tropas entraban en París, empezaron a sonar todas las campanas de las iglesias, abrimos las ventanas y toda la ciudad cantaba La Marsellesa”.

Casi inmediatamente después de la liberación, Cohn se alistó en el ejército francés, en el 151º Regimiento de Infantería, donde inicialmente se desempeñó como trabajadora social en la región de Alsacia, cerca de su ciudad natal Metz. Cuando su coronel Pierre Fabien —quien era el combatiente de la resistencia que había matado al primer alemán en la estación de metro de Barbet en1943— se enteró de que Cohn hablaba alemán con fluidez, la reclutó para unirse a la Inteligencia del Ejército. “Me presentaron al coronel Bouvet. Me dijo que necesitaba que interrogue a oficiales de la Wehrmacht y a prisioneros de guerra, para saber cuál era la estrategia de los alemanes, si se estaban retirando o no, y cuántas personas había allí, para saber toda esta información militar”.

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Después de obtener datos de los prisioneros de guerra nazis, Cohn estaba lista para su misión de espionaje. Implicaba cruzar la frontera de Suiza a Alemania para ver cuán atrincherados estaban todavía los nazis. Luego tendría que transmitir esa información a los aliados. Fueron necesarios más de 13 intentos, pero Cohn logró cruzar la frontera hacia Alemania. Su fachada era la de una enfermera alemana que intentaba descubrir qué le pasó a su prometido nazi. Un día se encontró con un grupo de soldados alemanes que se habían retirado de los aliados.

Miembros de la Asociación HMP 85

Exposión en el museo de historia Topografía del Terror, en Berlín, Alemania

Memorial del Holocausto / Monumento a los judíos de Europa asesinados, en Berlín, Alemania

“Entre nosotros había un suboficial, que era un SS, que presumía cuántos judíos había matado. Lo habían asignado a la Línea Sigfrido —un sistema de defensa a lo largo de 630 km, que consistía en más de 18.000 búnkeres, túneles y trampas para tanques—, pero como estaba herido, se desmayó. Como yo era una enfermera supuestamente alemana llamada Marta Ulrich, lo asistí de inmediato”.

Cohn tenía la obligación de obtener información importante de este soldado sobre lo que ocurría en la frontera nazi y en Francia. Al regresar a la frontera suiza, pudo transmitir su informe con la ayuda de una familia de agricultores suizos. Luego, Cohn volvió a cruzar la frontera y regresó a Alemania para ver si había algo más que pudiera descubrir. “Caminé hasta la Línea Sigfrido para ver qué estaba pasando. Cuando llegué, estaba casi evacuada. Los últimos rezagados se marchaban. Me dijeron que la Línea Sigfrido estaba vacía”.

La información que Cohn descubrió ayudó a acortar el esfuerzo aliado para derrotar a los nazis y salvó un número incalculable de vidas. Durante casi medio siglo, Cohn no habló de sus experiencias, ni siquiera con su familia. Pero a mediados de los 1990, mientras estaba de visita en Francia, solicitó sus registros del ejército francés. Cuando los funcionarios del Archivo Francés vieron su expediente de asignaciones y logros, se pusieron en marcha para que le concedieran la Médaille Militaire, uno de los honores militares más altos, y la misma medalla otorgada a Sir Winston Churchill por el gobierno francés.

“Si no dije nada no fue por modestia, sino porque pensé que nadie me creería. Aun así, no me considero una heroína. Solo hice lo que se tenía que hacer”, me dijo esta exespía judeofrancesa, que en un par de meses cumplirá 104 años, cuando le expresé mi profunda admiración por su tan valerosa historia, la misma que ya está plasmada en tres de sus libros: Im Land des Feindes: Eine jüdische Spionin in Nazi-Deutschland (2018); Moi, Marthe, juive et résistante derrière les lignes ennemies (2004); y Behind Enemy Lines: The True Story of a French Jewish Spy in Nazi Germany (2002); y la cual también ya inspiró dos películas: For Womenkind (2020) y Chichinette – How I Accidentally Became a Spy (2019).

Dicen que “la humildad es la base de toda verdadera grandeza”; otra razón por la que esta mujer es grande a pesar de su altura de menos de metro y medio, como ella misma dijo entre risas al final de la conferencia.

Texto y Fotos : Mitsuko Shimose

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Raquel Schwartz presenta ‘Jardín Colgante’ en Manzana 1

'Jardín Colgante' es una exposición que combina grandes lienzos, acuarelas y una instalación de papeles japoneses, invitando al espectador a recorrer un espacio íntimo y contemplativo.

/ 15 de marzo de 2025 / 22:35

“Jardín colgante” titula la más reciente exposición de la artista visual Raquel Schwartz (La Paz, 1963), inaugurada hace unas semanas en Manzana 1 Espacio de Arte (Santa Cruz de la Sierra). Conviene atender al título, ya que la alusión al jardín como imagen no es casual. Para quienes tienen uno en casa, y saben lo que es prodigarle múltiples cuidados y seguimiento diario, el jardín es un refugio, un lugar para ecualizar el espíritu contra los desarreglos de la realidad. Epicuro (341 a.C.) en la Antigüedad enseñaba su filosofía de los placeres en el marco de un jardín. El escritor y jardinero inglés John Evelyn escribió en el siglo XVII que “el aire y el genio de los jardines se prestan a los entusiasmos filosóficos”.

En esta nueva invitación de Raquel Schwartz a hacer un recorrido policromático por los cuatro ambientes que contienen la exposición, existe algo de sensación relajada, como estar atravesando transparencias, y de encuentro con un lugar en paz. Es una sensación la que sostiene la coherencia curatorial. La museografía es muy consciente de la mirada de los visitantes, tiene concebida unas secuencias cromáticas que definen el orden de aparición de las pinturas de gran formato colgadas en las paredes. Incluso nos encontraremos con una pieza que fue parte de la instalación “El cielo más puro de América” –uno de los trabajos referenciales del arte contemporáneo en Santa Cruz. 

El arte de Raquel Schwartz

Después de haber conversado con la artista en el podcast de arte “Inalámbricos” (episodio a estrenarse pronto), podemos ensayar algunas relaciones entre las series de pinturas aquí exhibidas y la imagen del jardín. Para Raquel, el montaje de esta exposición estuvo considerado como un paso más de la producción misma de las obras, ya que todo el trabajo que había iniciado en su taller –incluyendo la experimentación con las acuarelas durante la pandemia– finalmente encontraría un cierre a la manera que ella quería en un espacio de exhibición. Es decir, no se trataba de trasladar obras acabadas a una sala de exhibición, sino que las obras en sí terminarían de aparecer cuando estuvieran adecuadamente dispuestas en la sala expositiva.

“El proceso del montaje es de las cosas que más me emocionaba a mí. Significaba desprenderme de alguna manera del taller, de cierto orden de mi taller, transportar las obras, hacerlas llegar y luego el proceso de encontrarle el lenguaje a la obra dentro de un nuevo espacio”. (Schwartz, 2025).

En esencia lo que la llevó a postular esta exposición al programa anual de Manzana 1, fueron trabajos que venía haciendo en papeles desde hace muchos años y que se venían acumulando. Esto daría lugar a una instalación que ella imaginaba como una cascada.

“La sala yo la quería para exponer mis trabajos en papeles japoneses, que hago desde el 2003 o 2005, son papeles que empecé a hacer por invitaciones a participar en Bienales de Caligrafía en Corea”. (Schwartz, 2025).

‘Jardín Colgante’

La exposición combina cuadros de pintura en lienzo, de dimensiones grandes, con acuarelas en pequeño formato y, el plato fuerte, la instalación de papeles japoneses que aparece flotante en el fondo de la sala posterior. En estos papeles, colgados en degradé y animados por una brisa inducida, están reflejadas las búsquedas conocidas de la artista: las texturas, las investigaciones abstractas del color y luego la naturaleza. Cabe mencionar que el papel tradicional japonés, llamado washi, se fabrica a mano desde hace siglos, y son muy adecuados para la restauración de documentos, hojas de libros y otros, debido a sus fibras largas. El papel japonés es de extrema ligereza, resistente, destaca por su absorción, no se decolora ni se vuelve quebradizos con el tiempo. Se trata por tanto de un trampolín simbólico perfecto para el arte contemporáneo, lo que la artista buscó resaltar con la instalación “Jardín colgante”, que da el título a la exposición.

Por otro lado, hay en esta exposición un aroma de taller, como si la artista hubiera querido trasladar algo de la esencia de su lugar de trabajo al espacio de exhibición. El recorrido de la muestra está diseñado de forma que los visitantes acompañen partes del proceso de creación de la artista.

Y es que, en cierta forma, el taller de Raquel es una suerte de jardín dentro de su economía afectiva, que ha transportado simbólicamente con el traslado de estas obras a la sala de Manzana 1. A parte de los papeles que pintó en el transcurso de las últimas décadas, en general las pinturas expuestas son relativamente recientes, y algunas terminadas específicamente para la ocasión.

Cuando Raquel Schwartz aparece con una nueva muestra, siempre hay que estar atentos a los usos que hace del espacio expositivo, porque como ella misma dice, es una artista del espacio, que lo utiliza de una manera constante como soporte de su obra. Valgan estas líneas como un primer intento de aproximación a la muestra.

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As7ro presenta su ábum debut, ‘Sombraluz’

Desde Buenos Aires, As7ro —alter ego de Santiago Peñaloza— lanza su primer disco que desafía las reglas del mainstream con una propuesta indie cargada de fusiones y reflexiones.

/ 15 de marzo de 2025 / 22:00

En tiempos de plataformas digitales, de Spotify y Youtube, el panorama para los músicos y los profesionales y especialistas que se mueven en el ámbito de la creatividad musical globalizada por internet se ha complejizado hasta extremos como el que apunta Miguel Bosé: “Hoy no quiero grabar. ¿A quién le vendemos nuestra música hoy día? ¿Dónde, en qué tienda? ¿Grabamos en Spotify, Apple Music y equivalentes que son horrores que no pagan? Para nosotros esto no es negocio ni vida, ni nada…ellos se hacen muy ricos, pero a nosotros se nos respeta muy poco”.

Que un músico con la trayectoria repleta de éxitos como Bosé durante por lo menos cinco décadas haya llegado a esa conclusión y ponga en evidencia su decepción por lo que acontece hoy con la industria musical, significa que nuevos valores que se han tomado y muy en serio el oficio de crear y producir música popular en sus distintos géneros, tienen que confrontar hoy día con dificultades inimaginables hasta principios de este siglo XXI en la lucha por encontrar su lugar en el mundo, ese en el que se aspira a ser escuchado y hacer de este fascinante oficio, una forma de vida.

En este nuevo contexto mundial de cómo se gesta el negocio musical, As7ro, alter ego de Santiago Peñaloza, ha iniciado un proyecto que ha dado lugar al lanzamiento de un primer álbum que con el título de “Sombraluz” que contiene nueve canciones se ha ido publicando desde Argentina, entre mayo y noviembre de 2024 y se puede escuchar en las plataformas digitales.

La propuesta es el producto de varios años de estudios en Bolivia y de la formación que As7ro ha conseguido en Buenos Aires como productor musical y que le ha permitido capacitarse en el manejo de los recursos tecnológicos que en la actualidad permiten grabar canciones, efectos sonoros y editar a partir de los nuevos soportes tecnológicos vigentes.

“Sombraluz” es un disco que nace como resultado de un aprendizaje que prácticamente comenzó en la infancia y la adolescencia. Para ello, su autor comprendió desde muy temprano que había que escuchar y mucho, escuchar continuamente, y en lo posible tener el privilegio de la experiencia presencial de estar frente a escenarios en los que ha tenido la posibilidad de escuchar y ver a Luis Alberto Spinetta, Fito Paéz, Joaquín Sabina, Joan Manuel Serrat, Pedro Aznar, David Lebón, Dante Spinetta, Emmanuel Horvilleur, Julieta Rada, Clara Cava, Abril Olivera, Jorge Drexler, Lito Vitale, Santiago Motorizado, John Meyer, Hugo Fatorusso y Gonzalo Aloras y la lista no acaba aquí.

Las canciones de “Sombraluz” están inspiradas en la manera en que As7ro siente el mundo y la vida, a través de lo que él llama conciencia unitaria y que en primer lugar puede escucharse en “Tres marías”. Escrita y compuesta en La Paz, antes de salir hacia Argentina, As7ro cuenta que su mirada hacia el cinturón de Orión, la formación de las estrellas, lo conducen a pensar de que “hay cosas superiores que nos guían, uno siempre mira arriba para rezar, festejar, para sentir plenitud, cuando crees que estás hablando con un ser superior, instintivamente miras al cielo”.

“Sombraluz”, canción que da título al álbum, se refiere a la contradicción humana permanente: “la oscuridad no tiene necesariamente que ser mala o dañina, y la luz tampoco obligatoriamente reconfortante”, dice As7ro que también ha escrito A(l)ma “contra la regularización de la vida, con una letra que expresa enojo con el sistema en tiempos que como dice Calle 13, la nueva generación nace con wi-fi en el culo”.

Con toda la experiencia y el conocimiento adquirido en los dos últimos años en Buenos Aires, As7ro llega a la conclusión de que “hay música que no  ha muerto, sólo nos fijamos en el mainstream, en lo visible, a veces pensamos que como no es viral, no existe …hay músicos que no tendrán la masividad de Taylor Swift o Bad Bunny, pero tienen su público, doy un ejemplo al respecto: A la uruguaya Julieta Rada la siguen 70 mil personas, pero la siguen de verdad… hay músicos que piensan que debes apuntar a la fama, que la legitimidad pasa por lo viral… la música que sigo no es mainstream, no es para nada viral… existen bandas locales en distintos países con 10 mil seguidores que escuchan orgánica y auténticamente a esas bandas, y para mí eso es mucho más significativo que una alfombra roja de los Grammy… la masividad y lo que vende puede dar mucho dinero, pero el peligro de esta apuesta es renunciar a tu autenticidad… los sistemas operativos están muy automatizados y por eso se exige mucho menos creativamente… claro que hay que prepararse porque uno canta para hacerle justicia a la letra y a la  música que compone, y para eso, y para tocar teclado y guitarra se ha tenido que preparar (es mi caso)… cualquiera puede subir lo que se le de la gana, pero como decía Charly (García) no hay una ley que proteja a la música, pobrecita”.

Sin encasillarse en un solo género, “Sombraluz” es un álbum con canciones en las que figuran fusiones del R&B y pop con bossa nova, blues lento y afrobeat con flamenco y sus canciones han sido interpretadas íntegramente (voz, instrumentos, producción y mezcla) por As7ro que en Bolivia se formó con la guía de profesores como Sofía Petignat, Rodrigo Villegas, Mayra Gonzáles, Diego Ballón y Freddy Mendizabal y en Argentina egresó de la escuela de Producción Musical Arjaus.

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“En esta primera gran experiencia de haber grabado un álbum con nueve canciones no hay una identidad local, de un país determinado, cosa que podría darse después ya que en realidad estoy empezando” dice As7ro que en “Sombraluz” ha incluido una canción de cuna (“Lullaby2) basada en la melodía de Brahms (lied alemán para voz y piano), “Elefante”, tema instrumental con influencia de Pat Metheny, inspirado en el folkore argentino “que escucho hace muchos años y me guió como músico a cargo de Mercedes Sosa, Cuchi Leguizamón, Daniel Toro, Aca Seca Trío, Manuel Castilla y varios más”.

Completan la propuesta “Mapa al Sol” (la amistad y sus valores), “Fauna y fe” (admiración por alguien fundamental en la vida de uno), “Tu reino” (los gatos comparten el mundo de los sueños) y “Sufrirte” que aborda la temática de la culpa y la necesidad de enmendar.

“Sombraluz”—que proximamamente será lanzado en formato CD– está en Youtube, Spotify, Apple Music, y se puede acceder a información sobre el álbum en Instagram y Tik Tok.

Síntesis: AS7RO es el proyecto solista de Santiago Peñaloza, productor, músico y compositor boliviano ahora radicado en Buenos Aires, Argentina con una mezcla única Indie que significa la exploración, creación y producción de géneros musicales no provenientes de grandes empresas con propuestas producidas y distribuidas de manera autónoma. Tiene previsto su retorno a Bolivia a mediados de este 2025 para continuar con su carrera musical e impartir clases de producción musical, teclado y guitarra para niveles básico e intermedio.

*El autor es  periodista y productor ejecutivo del  álbum Sombraluz

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‘Los Macheteros’ colorean las calles de Burdeos, Francia

Con trajes amazónicos y la danza ancestral de “Los Macheteros”, Bolivia deslumbró por primera vez en el Carnaval des deux Rives, en la capital francesa del vino.

/ 15 de marzo de 2025 / 21:43

Bolivia se presentó por primera vez en el ya conocido “Carnaval des deux Rives” en la capital del vino, Burdeos: “la perla de Aquitania”, ciudad reconocida por su belleza, arquitectura y riqueza patrimonial. El rojo, amarillo y verde destacó entre al menos 25.000 bailarines que se dieron cita en el encuentro como cada año. En esta ocasión, los coloridos y llamativos trajes amazónicos, del departamento del Beni, tomaron posesión de las calles francesas, con la danza oriental “Los Macheteros”, con la participación de una treintena de residentes bolivianos, niños, jóvenes, adultos y hasta gente de la tercera edad. 

La Edición 2025 de este encuentro, que se lleva a cabo, cada año con distintas temáticas, se desarrolló frente a un público diverso, en esta ocasión con la temática “l’Amazonie” (la Amazonía). 

La asociación de países latinoamericanos “Latino Mex Bordeaux”, entre los que Bolivia participa por primera vez, destacó por la bella indumentaria proveniente de esta región de selva húmeda, que interpreta, desde una perspectiva nativa, la resurrección de Jesucristo y su ascensión a los cielos. 

Natalia Fernández Ledezma, estudiante de comunicación en la Universidad Montaigne de Bordeaux, señaló que “no es común ver los bailes bolivianos en eventos como este. Nosotros quisimos mostrar algo de nuestra riqueza cultural y destacar como país”. 

La defensa de la cultura boliviana a través de este tipo de eventos, debe ser la norma entre los residentes bolivianos en el extranjero, es por ello, que un grupo pequeño de compatriotas se organizó frente a otros países que se apropian del folklore nacional. 

La vistuosidad de ‘Los Macheteros’

Para el francés burdigalense, Dimitri Amirault, estudiante de desarrollo de webs, que participó de la organización junto al grupo de bolivianos, este primer encuentro con la cultura fue una sorpresa. “Estoy impresionado por la motivación del grupo boliviano que se organizó para participar en este Carnaval. Ver el proceso de la preparación de los trajes, la coreografía que se hizo en poco tiempo y el ambiente en general que se creó alrededor de esto, me ha parecido muy hermoso”.

“Increíble haber vivido esta experiencia tanto por dentro de la organización como por fuera. Me pareció espléndido”, comentó el joven francés.

En cuanto a la opinión de los espectadores, “Los Macheteros” sobresalieron por ser uno de los grupos más activos, alegres y entusiastas. El público elogió su participación. “Fuimos uno de los grupos más alegres, hemos recibido comentarios muy positivos”, señalaron los bailarines.

La parada de este pasado 9 de marzo dedicada a la Amazonia, combinó a la perfección con el espíritu de este Carnaval: coloreado, vasto y vivo en cuanto a culturas ancestrales. La cita para los bailarines fue a las 14:00 en punto para empezar en la calle Quai de Queyries. Atravesó el centro de la ciudad por las calles principales, Garonne via le pont de pierre, en el centro de Burdeos, continúo por el paseo Victor-Hugo, el paseo Pasteur et la rue Duffour-Dubierger hasta llegar a la place Pey-Berland, en pleno corazón de la capital. 

Esta primera iniciativa y participación del Carnaval de “Des deux Rives”, además,  de ser parte activa de la asociación de latinoamericanos en Burdeos; abre nuevas puertas para futuras actividades culturales donde la multiculturalidad y riqueza del folklore boliviano estará más presente que nunca. 

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Juan Ignacio Revollo: el arte de traducir a las montañas

El artista presenta en "El Valle de La Paz: Impresiones del Paisaje" una exploración visual que trasciende la mera ilustración para convertirse en una sinfonía de formas y texturas.

/ 8 de marzo de 2025 / 23:43

Pocos ejercicios como el grabado para entender el proceso de hechura de realización de una imagen: la complejidad, la sucesión de mediaciones, la trayectoria que oscila entre la observación atenta, la pasión por una idea, la justa combinación de instrumentos, la comprensión de secretos y singularidades propios de diversos materiales, la consolidación de recetas en una suerte de cocina simbólica, la agencia del tiempo en la materia y, al final del camino, la estampa definitiva en una superficie de papel, para recién hacerse visible al mundo.

Juan Ignacio Revollo (La Paz, 1982) ha hecho de esta vieja alquimia su oficio y lo ejerce con una poética muy personal y poderosamente enigmática, más aún dada su rebeldía cuando se trata de limitar la gráfica al campo de lo ilustrativo. Muy al contrario, en este caso, la visión, su visión, de Los Andes y de los alrededores del valle de Chuquiago, se manifiesta más como un poema o una sinfonía que como una simple ilustración del paisaje.

El miércoles 5 de este mes, el artista plástico inauguró la exposición «El Valle de La Paz: Impresiones del Paisaje» en la Galería de Arte de la Carrera de Artes y Diseño de la UMSA. La muestra subsume un trabajo de veinte años (2004-2024) de rigurosa indagación sobre la plástica de la cordillera que nos acuna, a través de diferentes procedimientos de grabado.

La exposición estará abierta al público hasta el día viernes 14 de marzo y amerita una o más visitas para disfrutar de una experiencia que invita a la contemplación y al diálogo –íntimo y silencioso– con el sobrecogedor panorama andino, a través de un manejo exquisito de técnicas que nos enseñan que una imagen para ser poética debe ser, sobre todo, una travesía.

Conversamos con Juan Ignacio sobre esta selección que funge, además, como una conclusión en su formación académica pero que trasciende por mucho el formalismo y el trámite de una tesis universitaria para adentrarse en lo realmente importante de una obra plástica: el amor inconmensurable por la imagen, sus técnicas y las emociones que de estas emanan.

¿Cómo ves la evolución en tu trabajo desde 2004 hasta 2024?

Puedo decir que hay una clara evolución en el manejo de las técnicas. A partir de la familiarización con las mismas y la relación que uno va desarrollando en la práctica, suceden encuentros y cabalidades entre lo imaginado y ejecutado.

¿Cómo trabajas el proceso que va desde la idea hasta la imagen plasmada en papel?

Por lo general voy realizando bocetos y trazando ideas en un cuaderno pequeño, resultando en composiciones, entre las cuales algunas, con suerte, logran expresar su propio carácter o, mejor dicho, muestran con qué técnica gráfica o pictórica serían idealmente producidas como obra final. En las técnicas gráficas clásicas, las matrices o planchas son impresas sobre papel, determinando gran parte del acabado final de la estampa. En mi trabajo intento encontrar una sintonía entre la composición grabada, el color de la tinta y el papel que soportará la imagen. Los aspectos que pueden variar entre los diferentes papeles que hay son el grosor, firmeza, textura y color, por mencionar algunos. Todos estos juegan un rol estético, a veces hasta conceptual, en la composición final de la obra.

¿Qué te gusta de las técnicas de aguafuerte y aguatinta?

Me gusta mucho la soltura y expresividad posibles en estas técnicas, tanto como los resultados estéticos que surgen de su impronta sobre el papel. Pero principalmente creo disfrutar más del contacto con los materiales en sus procesos, desde el agua, la plancha fría de metal, los abrasivos y las puntas, los barnices, solventes y otros, que configuran la atmósfera de un taller de grabado. Provocando mi abstracción y concentración en la hechura del trabajo.

¿Qué te gusta de la xilografía?

A diferencia de las técnicas en metal, que encuentro frías físicamente, la xilografía vendría a ser el medio más cálido, si vale el término, entre las técnicas del mundo gráfico. En este caso, el contacto con la matriz es directo durante todo el proceso de grabado. Las pocas herramientas y recursos necesarios hacen de ella una técnica sencilla de ejecutar, pero que a la vez requiere de mucha paciencia y precisión para encontrar la imagen buscada. Otros aspectos que me gustan de la xilografía son la resistencia que ofrece cada madera y la veta única que tiene cada pieza, que puede ser utilizada como recurso gráfico en una composición plástica.

Tu obra, por momentos, pareciera rozar con la abstracción. ¿Cómo relacionas el paisaje con la abstracción?

Encuentro una relación muy estrecha entre ambas configuraciones, hablando en términos de una imagen fija y enmarcada. Como a la vez encuentro en la contemplación del paisaje vivo, fragmentos y piezas hermosas de composiciones visuales, algunas puramente abstractas y otras que también figuran otros paisajes dentro de las mismas.

¿Cómo ves el rol del grabado en medio del tsunami de imágenes que circulan en el siglo XXI mediante redes sociales, videojuegos, plataformas de streaming y, ahora, a través de representaciones generadas por I.A.?

Creo que el grabado y sus medios de producción, que son esencialmente manuales, pueden ser un refugio de la memoria y la cultura gráfica de nuestros tiempos. Para tomar conciencia de lo que implica y significa recrear o fijar una imagen sobre un soporte para luego traspasarlo a otro y así poderla multiplicar.

¿Esta exposición cierra una época o piensas seguir ahondando en esta técnica y en esta poética del paisaje?

Pienso que esta exposición marca un hito en mi carrera profesional. No creo que cierre un ciclo o época, ya que la temática del paisaje todavía me genera curiosidad y, además, el ámbito geográfico donde habito es demasiado potente sensorial y visualmente, por lo que veo difícil que sus rasgos dejen de inspirarme. Sin embargo, espero poder ser crítico y versátil como también ampliar mi asombro por otros aspectos de la vida.

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Lady Gaga lanza ‘Mayhem’: vida y renacimiento de una popstar

El pasado viernes, la estrella del pop neoyorquina presentó su sexto álbum de estudio.

/ 8 de marzo de 2025 / 22:45

Desde sus inicios, Lady Gaga ha sido sinónimo de provocación, excentricidad y una reinvención constante que pocos artistas pop pueden igualar. A casi dos décadas de su debut, la estrella neoyorquina vuelve con su sexto álbum de estudio, Mayhem (que significa caos, violencia). Un regreso electrizante a sus raíces dance-pop, pero con un giro oscuro, industrial y tempestuoso que reafirma su capacidad de desafiar las expectativas.

Grabado en el legendario estudio Shangri-La de Rick Rubin en Malibu, Mayhem es un frenesí sonoro que recoge influencias de David Bowie, Prince, Trent Reznor, y Earth, Wind & Fire. Esta vez, Gaga se sumergió en un proceso de creación que la llevó a explorar la intensidad emocional de sus noches más salvajes. «Es como si te llevara en un viaje a través de una sola noche de locura», dijo en una entrevista reciente.

El álbum está impregnado de una sensación de urgencia, una mezcla de vulnerabilidad y agresividad que refleja tanto su faceta artística como su vida personal. A diferencia de Chromatica (2020), donde la música servía como un escape de su dolor, Mayhem abraza el caos de frente. Parte de esta evolución se debe a la participación de su pareja y co-productor, Michael Polansky, quien, según Gaga, la impulsó a regresar al pop puro después del interludio jazzístico de Harlequin (2024), la banda sonora de Joker: Folie à Deux.

Un sonido que desafía géneros

La variedad sonora de Mayhem es una de sus grandes fortalezas. El disco oscila entre el synth-pop y el industrial, con toques de grunge y funk ochentero. Canciones como Abracadabra canalizan la energía rave de los 90, mientras que Zombie Boy se sumerge en un groove disco futurista. Shadow of a Man, por otro lado, recuerda la electrónica minimalista del French Touch, y Killah, con producción de Gesaffelstein, se adentra en las sombras del trip-hop y el techno.

Pero no todo es oscuridad. Vanish Into You y Love Drug traen destellos de romanticismo con un sonido que evoca a New Order y Yazoo. Y, por supuesto, está Die With A Smile, su exitoso dueto con Bruno Mars que ya le valió un Grammy.

La furia y la crítica a la fama en Lady Gaga

Desde The Fame (2008), Gaga ha sido una cronista del precio de la celebridad. En Mayhem, retoma este tema con más cinismo que nunca. Perfect Celebrity es un himno mordaz que cuestiona la obsesiva búsqueda de la perfección en la era digital, con líneas como «You make me money, I’ll make you laugh» (Tú me haces ganar dinero, yo te haré reir) y referencias a la caza mediática de figuras como la princesa Diana. La canción pinta un retrato despiadado de la industria del entretenimiento, donde la imagen y la rentabilidad prevalecen sobre la autenticidad y el bienestar de los artistas.

No es la primera vez que Gaga toca este tema, pero en Mayhem lo hace con un nivel de desencanto y madurez que resuena con la era de las redes sociales y la presión por la inmediatez. Con la llegada de plataformas como TikTok y YouTube, la definición de «celebridad» ha cambiado drásticamente. Ahora cualquiera puede alcanzar la fama de la noche a la mañana, pero con ello vienen también el escrutinio y la explotación. Gaga juega con esta idea, sugiriendo que la cultura de la celebridad ha perdido su mística y se ha convertido en un producto desechable.

Otros temas del álbum también abordan esta tensión entre la fama y la identidad personal. Don’t Call Tonight habla de los límites necesarios que deben establecerse para protegerse del acoso. “You pull me close and knock me down. Then I beg to come back around. I’m so addicted to your lies, oh, and in the mirror I get weak, at the girl starin’ back at me. They’re your eyes, they’re your eyes” (Me acercas y me derribas. Entonces te ruego que vuelvas. Soy tan adicta a tus mentiras, oh, y en el espejo me debilito, ante la chica que me mira. Son tus ojos, son tus ojos).

Las letras de Lady Gaga

En The Beast explora la relación entre el glamour, el deseo y la caída. “You can’t hide who you are, 11:59. Your heart’s racin’, you’re growlin’ and we both know why. Yeah, we both know why. Turn on the music, turn off the lights, I wanna feel the beast inside. I know you’re hungry, ready to bite, I wanna watch you turn tonight, I wanna feel the beast inside” (No puedes ocultar quién eres, 11:59. Tu corazón late fuerte, estás gruñendo y ambos sabemos por qué. Sí, ambos sabemos por qué. Enciende la música, apaga las luces, quiero sentir la bestia dentro de ti. Sé que tienes hambre, listo para morder, quiero verte transformarte esta noche, quiero sentir la bestia dentro de ti).

El disco también tiene su cuota de rebeldía política. En los Grammy, Gaga usó su discurso de aceptación para defender a la comunidad trans en un momento político tenso en EEUU, un recordatorio de que su activismo sigue siendo una parte esencial de su arte. Al igual que en Born This Way, la cantante no teme utilizar su plataforma para desafiar el status quo y abogar por los derechos de las minorías. Esta dimensión política y crítica convierte a Mayhem en un disco que no solo hace bailar, sino que también invita a la reflexión sobre el precio de la fama y la responsabilidad de las figuras públicas en la sociedad actual.

Un regreso con sabor a legado

La crítica ha sido prácticamente unánime, aclamando Mayhem como un regreso triunfal a la esencia de Gaga, sin que parezca un intento desesperado por revivir glorias pasadas. “El primer álbum de Gaga en cinco años recuerda algunos de sus mejores momentos sin dar la sensación de un paso atrás”, escribió Brittany Spanos en Rolling Stone.

Si bien hay guiños evidentes a The Fame y Born This Way, la cantante logra actualizar su sonido sin caer en la nostalgia fácil. La producción de Andrew Watt y Cirkut añade un pulido moderno, mientras que la colaboración de Gesaffelstein le da un filo inusual para el pop contemporáneo.

En un panorama dominado por la experimentación de artistas como Charli XCX y Chappell Roan, Gaga demuestra que todavía puede marcar la pauta sin perder su esencia. Lo que hace a Mayhem destacar no es solo su sonido ecléctico, sino su capacidad de captar el espíritu de una era donde la música pop se enfrenta a nuevas demandas de originalidad y relevancia.

Además, el álbum muestra a una Gaga más madura, capaz de equilibrar su faceta provocadora con una exploración más introspectiva de su carrera y de su impacto en la cultura pop. Su habilidad para fusionar lo clásico con lo moderno la convierte en una de las pocas artistas de su generación que sigue evolucionando sin perder autenticidad.

Con Mayhem, no solo recupera su trono como una de las artistas pop más influyentes del siglo XXI, sino que también nos recuerda por qué su caos sigue siendo tan electrizante como el primer día. Su capacidad de reinventarse, de renacer una y otra vez, de desafiar convenciones y de mantenerse fiel a su visión artística garantiza que su legado continúe creciendo, asegurando su lugar en la historia de la música pop.

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